Almodóvar: los inicios de una nueva estética

Si Pedro Almodóvar dejara hoy aparcada su carrera no pasaría nada. Salvo perdernos años de grandes obras del cine y guiones espectaculares, claro. No pasaría nada por la sencilla razón de que Almodóvar, aunque hoy aparcara su carrera, seguiría pasando a la historia de los grandes como el creador de la estética almodovariana, el artífice de un nuevo cine tan peculiar como él mismo y los personajes de sus filmes.

No es simplemente que el prolífico director haya llegado a la cima de Hollywood. Lo cierto es que Pedro Almodóvar se ha convertido también un maestro admirado por muchos -odiado por algunos- cuya forma de hacer ha llegado a lo más alto del Kodack Theathre, si no también a Broadway con la teatralización de una de sus grandes obras, “Mujeres al borde de un ataque de nervios”.

Y como de todos los grandes del cine, de Almodóvar hay que saberlo todo y hay que admirarlo todo, también sus cortometrajes.  Ciertamente, la ya conocida como estética almodovariana comenzó a forjarse en los primeros cortometrajes del cineasta que supusieron su mejor escuela para lanzarse al largo y dar rienda suelta a su creatividad.

Es muy difícil destacar tan sólo uno. En “Dos putas o historia de amor que termina en boda”, grabado en 1974, “La caída de sodoma”, en 1975, “Sexo va, sexo viene”, en 1977 o “Salomé”, grabado en 1978 son sólo algunas de las piezas que preceden a sus grandes obras maestras.

Los cortometrajes del director manchego reflejan su estética y su gusto hacia una mirada más progresista del cine de la que se tenía en la década de los 70. Así, las historias de Almodóvar, repletas de iconos sexuales y figuras transgresoras, pronto comienzan a resonar en la industria cinematográfica, hasta que en 1980 nace su ópera prima: “Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” en la que descubre a la que se convertirá en una de sus musas: Carmen Maura.

El placer de ser una chica Almodóvar

La nueva estética de Pedro Almodóvar que sus cortometrajes fueron preparando desde la década de los 70, arrasa desde sus comienzos. Tanto es así que convertirse en una chica Almodóvar es una meta más que venerada por las actrices que componen el panorama cinematográfico de la época, deseosas de una llamada del manchego. Así, Carmen Maura, Victoria Abril, Rosi de Palma y Bibiana Fernández se convierten desde bien temprano en iconos femeninos del director, en símbolos de su nueva estética. Penélope Cruz, la última  musa del director, juega un papel indiscutible en su última etapa cinematográfica.

Regreso tras treinta años

Tres décadas estuvo el manchego sin volver al cortometraje. “La concejala antropófaga” ha sido su última incursión en este entorno. Protagonizado por Carmen Machi, el filme fue una improvisación durante el rodaje de “Los abrazos rotos” en el que, para muchos, el director vuelve a los relatos típicos de sus inicios. Se trata de un monólogo en el que una concejal del Ayuntamiento de Madrid ofrece su particular visión sobre el sexo y la antropofagia. Un cortometraje a la más pura estética almodovariana, aquella que él supo crear en los años 70 y que ha dado lugar a todo un movimiento cinematográfico.

Pincha aquí para ver el cortometraje “La concejala antropófaga”

Alfred Hichcock: Aquel genio del terror

El genio del terror y el suspense, creador de obras maestras emitidas y elogiadas hasta la saciedad, Alfred Hitchcock, tendrá su nombre escrito en la historia del cine como el genio del terror. Este británico que comenzó como montador en la etapa del cine mudo, aprendió a una edad bastante temprana que la intriga y el misterio eran los entornos en que mejor se movía.

Pero el creador de “La soga”, “Los 39 escalones” o “Los pájaros” ha dejado en su legado importantes cortometrajes en los que el genio impregnó su estilo ya habitual. Así, Hitchcock decidió emplear la televisión para trasladar todo su saber y crear cortometrajes en el por el entonces novedoso medio.

“Llevo treinta años haciendo películas y fue precisamente el otro día cuando oí que me decía una señora: Mira, ahí va Hitchcock, el de la tele”. Hitchcock no necesitaba la televisión, ni siquiera el cortometraje. Sus filmes por aquel entonces ya le habían reportado tal éxito que embaucarse en ese nuevo mundo era simplemente eso, una aventura más. Su fama era abrumadora. Su revista mensual, Alfred Hitchcock´s Mystery Magazine no dejaba de aumentar en ventas y el éxito en televisión con sus cortometrajes estaba asegurado.

La CBS se mostró encantanda con tener al genio entre su elenco. Él mismo presentaría y dirigiría todos los episodios de una serie emitida en la cadena. Además, Hitchcock ponía las reglas: podía seguir dedicando ilimitado tiempo al cine y emplear los episodios de televisión a modo de casting para probar nuevos actores. Así, el 2 de octubre de 1955 comenzó a emitirse Alfred Hitchcock Presents, programa que más tarde dio paso a Alfred Hitchcock Hour.

El exitoso y popular programa fue así la plataforma de despegue para innumerables cortometrajes en el que el director seguía impregnando todo su talento. Un ejemplo es “El hombre del sur”, la adaptación de un relato corto de Roald Dahl y sin duda intrigante y entretenido. Podríamos elaborar una lista de espectaculares cortometrajes, pero sería difícil escoger sólo unos cuantos de una serie de obras maestras que el público tuvo el privilegio de ver en televisión. Os dejamos con “The Cheney vase”, un thriller de 1955 emmitido durante la primera temporada del programa:

El viaje de Said: El ejemplo de la buena animación

Recuperamos hoy un clásico que puede que penséis que no lo es tanto, pues se trata de un cortometraje con tan sólo 3 años de vida: El viaje de Said. Premio Goya en 2007 a mejor Cortometraje de Animación, la obra de Coke Riobóo merece ser recordada y calificada como una bella producción, impecable desde el punto de vista técnico y narrativo. La cinta narra la historia de Said, un niño marroquí que sale de su país en busca de un mundo mejor, pero descubre que las cosas ahí fuera no son tan bonitas como esperaba.

Mediante este hilo argumental, el relato se adentra en el problema de la inmigración y las calamidades que millones de inmigrantes sufren cada día buscando un futuro mejor.  La producción, realizada por Jazzy Producciones en colaboración con la empresa canaria Tembleque Producciones y el Gobierno de Canarias, tiene como peculiaridad la animación de plastilina para contar una historia animada con un trasfondo verdaderamente amargo.

En palabras de Rioboó, el cortometraje fue realizado “desde el profundo amor que siento por Marruecos y su gente, para tender un puente de fantasía irónica, dirigido principalmente a los jóvenes marroquíes, cuyas expectativas sobre España están claramente distorsionadas por la necesidad de encontrar un futuro más esperanzador”. Así, Rioboó se sirivió de estas figuras de plastilina que, si bien daban un tono más divertido y alegre a la historia, servían para empatizar con el espectador y hacer llegar mucho mejor la moraleja.

Sin embargo, qué mejor que observar la obra maestra de Riobóo para emocionarse con la historia de Said. Desde CinEncorto esperamos que os guste la recomendación:

El increíble mundo de Tim Burton, también en corto

El genio de la animación y las historias fantásticas, Tim Burton, llevó su mundo también al cortometraje.Timothy William Burton comenzó trabajando como animador en los estudios Disney, donde pronto comprendió que tenía que buscar su propio estilo y que, evidentemente, los archiconocidos estudios de animación no eran lo que buscaba. Así, Timothy William comenzó a transformarse en Tim Burton.

En 1971, crea su primer cortometraje de animación, “The Island of Doctor Agor”, adaptación del libro de H.G. Wells, “La Isla del Doctor Moreau” y al que dio vida con tan sólo 13 años. Tempranamente catalogado de “inadaptado social con un continuo apetito por la ciencia-ficción y el terror” debido a su afición por las películas de miedo y bajo presupuesto, Timothy fue convirtiéndose en el genio, con las “rarezas” y peculiaridades que caracterizan a los clásicos del cine.

En 1979, “Stalk of Celery Monster” se convierte en su segundo corto animado en el que un dentista perturbado llamado Maxwell Payne disfruta experimentantdo con sus pacientes. Empleando la técnica del blanco y negro, impresiona ver como los personajes de Burton empleados en este temprano cortometraje muestran ya las características de quienes más adelante se harán llamar “seres Burton”: la estructura corporal, los ojos saltones y las expresiones faciales son ya típicas de los ‘personajes Tim’.

“Doctor of Doom”, escrita y dirigida el mismo año, se convierte en el tercer cortometraje de Burton en el que ya, el aclamado director combina las técnicas de animación con actores reales (muy de moda ya, como podremos ver en “Alicia en el país de las maravillas”, aunque no obstante un increíble adelanto en la década de los 70).  Si bien es cierto que muchos directores han empleado el cortometraje como paso previo a su salto al largometraje, en el caso de Tim Burton ambas técnicas cinematográficas -largometraje y cortometraje- se han ido entremezclando durante toda su carrera.

Así, durante la etapa en la que Burton prueba suerte con sus primeros filmes -por ejemplo “Luau”, de 1982- también lo hace con el corto. No en vano, en 1984 rueda “Frankenweenie”, una peculiar mirada de la leyenda de Frankenstein a través del pequeño Víctor y su perro Sparky, una producción que el director intenta recuperar y elaborar una nueva versión en 2011.

Pero sin duda, “Vicent”, producido en 1982, se ha convertido en uno de sus trabajos previos más famosos. Basado en un poema escrito por él mismo durante su estancia en Disney, narra la historia de un niño de 7 años, Vincent Malloy que quiere convertirse en Vincent Price, el famoso actor de películas de terror de los años 60. El corto, un autorretrato del propio Burton, recibió innumerables premios, aunque por motivos ajenos al director no salió a la luz hasta que el propio Burton decidió presentarlo en el estreno de “Pesadilla antes de navidad”.

Aquí ofrecemos la obra maestra:

Kubrick: Cuando la perfección se eleva a la máxima potencia

El chico del Bronx que desembocó en el cine debido a su pasión por la fotografía también comenzó haciendo cortos. Cuando decidió dejar de lado su trabajo para la revista Look (donde realizaba reportajes fotográficos), Stanley Kubrick experimentó en el entorno del celuloide, y para ello lo hizo teniendo como base uno de sus trabajos fotográficos, en este caso un reportaje hecho por él mismo para la revista Look acerca del boxeador Walter Cartier. De este modo, Day of the Fight sería su primera cinta de 13 minutos y que desde luego no pasaría desapercibida.

El talento de Kubrick en Day of the Fight fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America, que fue proyectada en el Paramoun Theatre, en Nueva York, con lo que obtuvo sus primeros ingresos económicos en el mundo del cine: comenzaba a forjarse el genio. Así, y gracias al dinero obtenido por su venta a RKO, Kubrick pudo financiar el que sería su segundo corto-documental : Flying Padre, una historia que narraba la vida de un sacerdote que viajaba en avioneta de pueblo en pueblo en Nuevo México.

Estos dos primeros cortometrajes de género documental fueron la plataforma de salida a la gran Industria del Cine. Más tarde vendrían Fear and Desire, Senderos de Gloria, Espartaco, 2001: Una odisea en el Espacio, La Naranja Mecánica… una lista de largomentrajes de éxito que lacabarían convirtiéndolo en uno de los grandes de la Industria.

Pero centrándonos en su etapa previa al filme de gran escala, sus cortometrajes ya dejaban intuir la personalidad de un director obsesionado por el perfeccionismo. Sin estudios previos de cine, Kubrick aporta técnicas innovadoras ya desde sus inicios así como su estilo personal incluso aunque el cortometraje tenga como protagonista a un boxeador. Su visión de la vida y concepciones sociales se impregnan en cada uno de sus trabajos, aunque a medida que pasaba el tiempo y Kubrick mejoraba su manera de hacer cine, renegaba duramente de sus primeros trabajos (incluidos los dos primeros cortometrajes).

No obstante y a pesar de su corta filmografía (en comparación con otros directores la lista de películas de Kubrick se considera escasa), hablar de Stanley Kubrick es hablar del cine en mayúsculas. Acusado de ser demasiado meticuloso y perfeccionista, Kubrick no dejaba nada al azar y controlaba cada aspecto de su filmografía.

Desde CinEncorto os recomendamos que echéis un vistazo a las obras de su primera etapa, sobre todo, como no puede ser de otra manera, a sus cortometrajes. Aquí tenéis uno de ellos: